Карта России - вехи истории

23.12.2014 - 15.03.2015
http://www.kreml.ru/

Организаторы:Министерство культуры Российской Федерации, Музеи Московского Кремля
Карты Московии и Выставка в Успенской звоннице Московского Кремля посвящена феномену  России как самого обширного государства, статус которого она удерживает с конца XVII столетия, и как страны, территория которой расширялась с наибольшей интенсивностью. Впервые  Музеи Московского Кремля обращаются к этой теме, раскрывая ее в показе уникальных произведений искусства XIV – начала XX века. Великолепные памятники из кремлевского собрания отражают историю формирования территории русского государства от Московского княжества до Российской империи.  В связи с этим некоторые произведения представлены  на выставке, в совершенно новом ракурсе, другие – показаны впервые.

Центральным экспонатом является  вышитая карта Российской империи, созданная  воспитанницами  Московского института Ордена Святой Екатерины в 1872 году и поднесенная ими императору Александру II.  Она всего однажды экспонировалась в России, хотя не раз украшала зарубежные выставки Музеев Кремля.

Основу выставки составляют предметы, созданные по повелению российских правителей в связи с важнейшими событиями в геополитической истории России. Расширение границ всегда являлось  выражением славы и могущества державы и находило особое отражение в отечественном искусстве, вызывая рождение исключительных по своей значимости и символической наполненности произведений – от царских венцов до памятных медалей.

На выставке демонстрируется знаменитая Казанская шапка – царский золотой венец с драгоценными камнями и тончайшим черневым узором, созданный, как полагают, по повелению царя Ивана Грозного в 1553 г. после присоединения Казанского ханства к Московскому государству. Позже изображение венца вошло в сложную композицию Государственного герба России с так называемыми "титульными" гербами, венчая герб Казанского царства.

La collezione delle icone russe agli Uffizi

20-12-2014 | 01-02-2015

http://www.polomuseale.firenze.it

La rassegna è parte integrante del ciclo ‘i mai visti’, che ogni anno offre al pubblico l’opportunità di approfondire temi legati ad opere poco note delle sue collezioni.
La mostra presenta 81 icone delle Gallerie fiorentine, costituenti il più antico nucleo collezionistico di icone russe esistente al di fuori del mondo ortodosso.
I due esemplari più antichi, un’icona mariana e quella raffigurante la Decollazione del Battista, sono databili fra la fine del XVI secolo e l’inizio del XVII e conservano ancora la coperta d’argento, detta oklad, che le rendeva gradite al gusto principesco di casa Medici, trovando posto fin dal Seicento fra le suppellettili della cappella di Palazzo Pitti.
Ad eccezione di pochi esemplari, tuttavia, la collezione giunse a Firenze in epoca lorenese ed è costituita per la maggior parte da icone databili alla prima metà del XVIII secolo; i caratteri stilistici che le accomunano sono tali da far supporre che possano essere state acquistate per piccoli gruppi in qualche bottega provinciale della Russia centrale. S’ignorano gli eventi che hanno portato questa raccolta a Firenze. Una scritta presente sul retro dell’icona con le Storie di Cristo porta a ipotizzare un legame con la chiesa ortodossa della Santissima Trinità di Livorno, eretta alla fine del sesto decennio del XVIII secolo con il favore del granduca Francesco Stefano di Lorena. Nell'ambito della strategia propagandistica messa in atto da Caterina di Russia durante la guerra con i Turchi (1768-1774), nel corso della quale la flotta russa soggiornò a Livorno, la zarina fece ricorso più volte a doni votivi, tributandoli anche alle comunità ortodosse d'occidente, ed è possibile che la collezione delle icone oggi agli Uffizi si origini in un episodio legato a questo particolare momento storico

Monet, Gauguin, van Gogh … Inspiration japonaise

20 février – 10 mai 2015
http://www.kunsthaus.ch

L’art japonais a joué un rôle fondamental dans le développement de l’art moderne. Presque tous les grands maîtres se sont laissé inspirer par les motifs et les procédés stylistiques japonais. Pour la première fois depuis plus de 25 ans, une vaste exposition est consacrée à ce phénomène connu sous le terme de «japonisme». Elle se concentre sur la période de 1860 à 1910, qui correspond aux débuts et à l’apogée de la réception de l’art japonais en France.

L’ouverture du Japon en 1854, après plus de 200 ans d’isolement complet, a déclenché en Occident, et surtout en France, un véritable engouement pour ce pays. Celui-ci a été stimulé par les expositions universelles – en particulier celles de Vienne en 1873 et de Paris en 1878 – qui présentaient des marchandises très convoitées en provenance du Japon.

L’exposition présente plus de 300 pièces prestigieuses. Outre des peintures, elle comprend une sélection représentative d’estampes d’artistes japonais comme Hokusai, Hiroshige et Utamaro, qui proviennent en partie de collections des artistes de cette époque. De même, des objets d’art japonais sont confrontés à des objets provenant d’Europe. Des photographies de voyage et des affiches complètent l’image que l’Europe du 19ème siècle se faisait du Japon.

Механика чуда

с 20 декабря 2014-го по 28 марта 2015
http://vdnh.ru/

«Механика чуда»: выставка декораций церемонии открытия Олимпийских игр в Сочи
ВДНХ представляет главное зимнее событие года — выставку объектов, созданных для церемонии открытия XXII Зимних Олимпийских игр в Сочи, «Механика чуда». С 20 декабря 2014-го до середины весны 2015 года в историческом павильоне «Космос» будут экспонироваться уникальные костюмы, декорации и реквизит, представившие трем миллиардам жителей Земли образы России.

Впервые оригинальные декорации самого зрелищного шоу в истории человечества можно будет увидеть вблизи и даже потрогать. Размер некоторых элементов настолько велик, что вместить их может разве что колоссальный павильон «Космос».

Цель выставки «Механика чуда» — представить оригинальные декорации и уникальные технические приемы, погрузить зрителя в контекст и показать прообразы декораций, объектов, костюмов и хореографических композиций. Так, за куполами посетители выставки узнают холст Лентулова, за парящими красными фигурами и черным паровозом — супрематические композиции Малевича, Суетина и Лисицкого, за силуэтами атлетов — биомеханику Мейерхольда.

Пьеро делла Франческа и его современники. Образ Мадонны в картинах эпохи Возрождения из музеев Италии

19.12.2014 – 22.02.2015
http://www.arts-museum.ru/

Выставка продолжает традицию знакомства произведениями великих мастеров Ренессанса, предоставленными крупнейшими художественными собраниями Италии – венецианской Галереей Академии, национальной галереей Марке из Урбино.

В экспозиции представлены работы живописцев второй половины XV века, объединенные одной темой – Мадонна с Младенцем. Помимо их исключительной художественной значимости произведения позволяют понять, что между западной и восточной христианскими традициями есть не только различия, но и глубокое сходство. Выставка позволяет зрителю проникнуть в суть того, как в эпоху Возрождения понимали и трактовали один из главных христианских образов.

Центр экспозиции – знаменитая картина Пьеро делла Франческа «Мадонна с благословляющим Младенцем и двумя ангелами», или «Мадонна Сенигалья» (1491), из Национальной галереи Марке в Урбино. Несмотря на многочисленные исследования, до сих пор нет объективных данных, позволяющих окончательно ответить на вопросы о том, какие смыслы в ней скрыты и каковы обстоятельства ее создания. Мастер изображает Богоматерь с Младенцем, следуя византийскому иконографическому типу Одигитрия, то есть Путеводительница: Мадонна - заступница людей перед Господом - указывает рукой на Младенца как на Спасение. Поток света символизирует Христа. Изображение восседающей на троне Богородицы с Младенцем на коленях и двумя архангелами за спиной восходит к образцам V–VI веков. Классические пропорции фигур создают ощущение торжественности. Строгость персонажей картины напоминает христианские мозаики или византийские иконы. Каждая деталь – от белой розы в руке у Иисуса до украшений из жемчуга и коралла, плетеной вазы, льняного полотна – имеет символическое значение. Одеяние Младенца похоже на одеяние античных философов, пламя свечи означает Страстную седмицу, ткань – занавесь Иерусалимского храма. В художественном решении особую роль играет колорит, построенный на сочетании белого и оттенков голубого и серого цветов. Манера передачи световоздушной среды говорит о знакомстве Пьеро делла Франческа с достижениями нидерландских живописцев. 

Магия кукол

17.12.2014 - 08.02.2015
http://vmdpni.ru/

Одно из лучших в мире собраний механических кукол и музыкальных аппаратов коллекционера Давида Якобашвили. В линейке занимательных игровых объектов отслеживается вся история совершенствования «музыкальной механики» в XIX-XX веках.

Мечта создать механическое подобие человека подпитывала фантазию людей и двигала технический прогресс на протяжении тысячелетий. Первые автоматы по извлечению звуков люди создали в античном мире. С XVIII по XX века появились «оживающие» композиции из множества фигур и механические куклы, которые управлялись сложными устройствами и музыкальными механизмами. Фарфоровые тела, богатые материалы в одежде, удивительная точность в копировании человеческих передвижений — механические куклы пользовались огромным успехом. Появились специализированные мастерские Жаке Дро, Виши, Маярде, Вокансона — они создавали «умные» игрушки для состоятельных заказчиков. В XX веке люди занялись освоением космоса, полетели на Луну, создали роботов и … занялись сборкой винтажных кукол из старых материалов и антикварных частей. 

Пауль Клее. Ни дня без линии

15.12.2014 – 15.03.2015
Галерея искусства стран Европы и Америки XIX–XX вв.

К 200-летию установления дипломатических отношений между Россией и Швейцарией в ГМИИ им. А.С. Пушкина впервые будет представлен проект, посвященный жизни и творчеству крупнейшего мастера европейского авангарда Пауля Клее (1879–1940).

Рационалист и визионер, мечтатель и образец самодисциплины, теоретик искусства и художник, тончайшую манеру которого трудно отнести к одному направлению, Пауль Клее создал собственный мир, искусство, которое «не передает только видимое, а делает зримым тайно постигнутое» (P. Klee P. Theorie de l'Art moderne.)

На выставке будет представлено более 150 произведений живописи и графики, созданных мастером в разные периоды творчества: знаменитые африканские акварели (1914), геометрический «Вид города с красным куполом» (1923) и ироничный «Шаг» (1931) из коллекции Центра Пауля Клее (Берн),романтичная «Восходящая звезда» (1931), тревожная «О, эти слухи!» (1939) и трагический «Пленник» (1940) из Фонда Бейелера (Базель) и другие произведенияизсобраний Швейцарии.

В экспозиции также будут показаны уникальные артефакты: композиции-гербарии, фрагменты дидактических трактатов-таблиц, подлинные инструменты и фотографии из мастерских Клее, куклы, участвовавшие в импровизированных представлениях кукольного театра в доме художника.

«Translatio Nummorum» Языком монеты. Римские императоры и римские древности в эпоху Возрождения

13.12.2014 – 08.02.2015
http://www.arts-museum.ru

Выставка является одним из результатов междисциплинарного проекта «Translatio nummorum», посвященного изучению восприятия и исследования антиквариями эпохи Возрождения классических древностей, нашедших отражение на античных монетах.

В экспозиции будут представлены нумизматические материалы и  гравюры эпохи Ренессанса из фондов ГМИИ им. А.С. Пушкина, а также редкие книжные издания XVI века, посвященные древним монетам, из фондов Российской государственной библиотеки и Научной библиотеки МГУ.

Проект «Translatio nummorum» был инициирован Историко-Художественным институтом во Флоренции (общество научных исследований имени Макса Планка), Берлинским Мюнцкабинетом (фонд Прусского культурного наследия) и Гумбольдтским университетом (Берлин) совместно с Берлино-Бранденбургской Академией наук (проект «Census. Античные памятники искусства и архитектуры, известные в эпоху Ренессанса»). Выставка была показана в Музее Боде (Берлин, Германия) и в Лейпциге.

Goltzius to Van Gogh. Drawings & Paintings from the P. and N. de Boer Foundation

13 December 2014 – 8 March 2015
http://www.fondationcustodia.fr/

On the occasion of the 50th anniversary of this little-known foundation, the Fondation Custodia has taken the initiative to show a broad selection from the collection in Paris, where the taste of the dealer and collector Piet de Boer — a contemporary of Frits Lugt (1884-1970) — and his extraordinary feeling for quality will be seen at its best. It is a selection from the harvest of more than forty years in the art market.

Twenty paintings will be on show, including a number of works by Mannerist artists like Hendrick Goltzius, Cornelis Cornelisz Van Haarlem, Cornelis Ketel and Joachim Wtewael. There will also be still lifes by Balthasar van der Ast, Ambrosius Bosschaert, Gottfried von Wedig and Frans Snijders, atmospheric landscapes by Joos de Momper, Roelandt Savery and Hendrick Avercamp and Arent Arentsz Cabel, a pastose Open Air Party by Esaias van de Velde and a charming close-up of a Rose, Mouse and Insects, attributed to Jan Brueghel the Elder.

A special room will be devoted to work by Vincent van Gogh: five drawings, among them the iconic Worn Out, represented by a figure in great despair and a large sheet of a Peasant Digging, created out of compassion for the lot of the poor farm labourer. There is also Moulin de Blute-fin, a coloured drawing from Van Gogh’s time in Paris. Among the paintings is the striking Wheatfield, rendered with splashes of colour in Arles in June 1888. Unlike many other dealers in old art, Piet de Boer had an affinity with contemporary art and showed great interest in classical modern artists. He considered Van Gogh to be the most important among them and succeeded in bringing together this interesting group of his works.

DÜRERS MYSTERIEN. RÄTSEL IN SEINEM GRAPHISCHEN WERK

12. Dez. 2014 – 22. März 2015
http://www.wallraf.museum/

Zu den bahnbrechenden Neuerungen um 1500 gehört die Entwicklung der Druckgraphik zu einem selbständigen künstlerischen Medium. Albrecht Dürer erreichte in kürzester Zeit nicht nur eine bis dahin ungeahnte Virtuosität in allen graphischen Techniken, er etablierte auch eine Vielzahl von Bildgattungen, mit denen er das Feld der bildenden Künste erheblich erweiterte. Während die zahlreichen Bilderserien (etwa zum „Marienleben“) traditionelle Bildthemen neu variieren, bleiben manche Einzelblätter in hohem Maße rätselhaft. Diese Kupferstiche, Holzschnitte oder Eisenradierungen von höchster Qualität zeigen oft Darstellungen, die die Antike anklingen lassen: Die Gestalten erscheinen nackt oder in antikisierender Bekleidung und sind in Posen oder Handlungen wiedergegeben, die an die Götter und Helden der klassischen Mythologie erinnern. Jedoch lassen sich diesen Blättern nur selten konkreten Themen zuordnen. Offensichtlich fordert Dürer den Betrachter dazu auf, sich auf seine Mysterien einzulassen, um in ihrer Deutung den eigenen Intellekt zu erproben, damals wie heute.

Эрмитаж Ея Императорскаго Величества

08.12.2014 - 10.05.2015
http://www.hermitagemuseum.org

Одно из главных событий юбилейного года, выставка «Эрмитаж Ея Императорскаго Величества» будет развернута в Николаевском зале Зимнего дворца.

Выставка рассказывает не только о формировании эрмитажного собрания, одного из лучших в Европе в XVIII столетии, но и позволяет зрителю составить представление о музее императрицы Екатерины II, следуя за описанием 1794 года, оставленном нам И.Г. Георги - автором первого путеводителя по музею.

Фрэнсис Бэкон «Как создается искусство»

7 декабря 2014 г. - 8 марта 2015 г.
http://www.hermitagemuseum.org

Живопись мрачнейшего абстрактного экспрессиониста, самого дорогого на сегодня британского живописца XX века, покажут одновременно в кураторском жанре «мастерская художника» (будет инсталляция о жизни и работе Бэкона в его дублинском кабинете) и в сопоставлении с эрмитажными шедеврами.

Шедевр из Британского музея

06.12.2014 - 18.01.2015
http://www.hermitagemuseum.org/
Римский дворик, Новый Эрмитаж

На выставке представлена статуя западного фронтона Парфенона, созданная в мастерской Фидия в 438–432 гг. до н.э. Плавные очертания позы обнажённой мужской фигуры вместе с текучими формами драпировок позволяют считать, что скульптура изображает речное божество — аллегорию афинской реки Илисс.

Скульптура располагалась в угловой части западного фронтона Парфенона. В целом многофигурная композиция изображала сцену состязания Афины и Посейдона за власть над Аттикой. Каждый из них сотворил чудо: Посейдон ударил своим трезубцем о скалу, и из неё хлынул солёный поток, Афина же, ударив в землю копьём, вырастила первую оливу, и именно ей присудили победу. На восточном фронтоне Парфенона была представлена сцена рождения Афины, вышедшей из головы её отца, Зевса, уже взрослой, в полном вооружении и доспехах.

В сценах на обоих фронтонах Афинский акрополь умышленно был сопоставлен со священной горой Олимп. В целом, скульптуры Парфенона создают представление об Афинах как о лучшем городе, достойном божественного покровительства и почтения со стороны жителей других областей Греции. В то время Афины были городом с самым передовым демократическим устройством на просторах ойкумены. Решением народного собрания из городской казны ежегодно выделялись средства на его застройку, а хранилась казна в самом Парфеноне. Во главе города стоял Перикл, предвидевший, что город станет образцом для всего греческого мира. В 431 году в знаменитой «Надгробной речи» на похоронах афинских воинов, погибших в первый год Пелопоннесской войны, Перикл обвинил Спарту в том, что этот город был закрытым и военизированным, противопоставив ему свободолюбивые Афины, которые он назвал «центром просвещения Эллады».

Contes de féesaffiche contes de fées. De la tradition à la modernité

Du 6 décembre 2014 au 6 avril 2015
http://www.ville-evian.fr/

Il était une fois… Des paroles dont le charme et la puissance ne se sont jamais édulcorés ! Qui n’a rêvé de les entendre ! Et de connaître la suite… !

Sous des dehors chatoyants ou cruels, le conte est une initiation à la vie. Passé de l’oralité à l’écrit grâce à Perrault, aux frères Grimm, à Hans Christian Andersen ou à Lewis Caroll, il entraîne les lecteurs dans des mondes merveilleux où les fées, les magiciens, les sorcières, les ogres, les animaux protègent ou trompent les héros. Ces histoires ne pouvaient qu’inspirer de célèbres illustrateurs comme Gustave Doré, Arthur Rackam, Edmond Dulac. A leur tour le théâtre, les marionnettes, l’opéra et le cinéma – Méliès, Cocteau, Demy ont fait vivre des personnages qui, avec le temps, sont entrés dans la légende. Aujourd’hui, ils continuent de stimuler les créateurs contemporains : auteurs, peintres, sculpteurs, plasticiens, vidéastes,  photographes.
A travers un parcours initiatique qui comprend environ 350 créations anciennes et contemporaines et animé par de nombreuses projections et sonorisations, le Palais Lumière propose de découvrir ou de revisiter cet univers « extra-ordinaire » et toujours d’actualité.

Мир литургии

5 декабря – 9 марта 2015
http://gmir.ru/

Около 200 входящих в состав выставки экспонатов представляют своего рода энциклопедию мира литургии, раскрывающую сущность и специфику основного богослужения в разных христианских конфессиях.

Литургия  (с греческого - «общее дело») – кульминация всего, что происходит в храме. Прообразом литургии явилась описанная в Евангелии Тайная вечеря. Воспоминание об этом событии стало ядром литургической службы.

На выставке будет представлено три больших раздела – православная литургия, римско-католическая и протестантская. Внутри каждого из них интереснейший рассказ о той или иной составляющей богослужения – о роли священнослужителей, православном последовании литургии, католических начальных и заключительных обрядах, о литургическом пространстве храма и т.д. – проиллюстрирован музейными предметами. Богослужебные книги, облачения духовенства, иконы, витражи, храмовая утварь (потиры, дарохранительницы, реликварии, напрестольные кресты, дискосы и т.д.), покрова, антиминсы и проч. воссоздадут своеобразный символический образ литургического действа, совершаемого в древних церквях Эфиопии и Армении, русской православной, католической и протестантской церквях. 

DES ANIMAUX ET DES PHARAONS. LE RÈGNE ANIMAL DANS L'EGYPTE ANCIENNE

5 décembre 2014 au 9 mars 2015
http://www.louvrelens.fr/

Les Egyptiens se sont emparés des animaux pour exploiter de diverses manières les images symboliques que chacun d'entre eux véhicule. C'est ainsi que la figure animale devient l'élément multiple d'un langage codé, qui peut être rédigé ou représenté. Elle constitue à ce titre un pilier de la pensée religieuse égyptienne. Elle est aussi une source infinie d'inspiration et suscite une production artistique d'une richesse et d'une variété exceptionnelles.

A la fois pédagogique et esthétique, l'exposition proposera au visiteur une double approche : l'acquisition de connaissances et la délectation. Le parcours, structuré en neuf sections thématiques, offrira une progression logique, depuis la simple perception matérielle de créatures réelles évoluant dans leur milieu naturel, jusqu'à la transposition de leurs multiples figures dans le langage codifié de la pensée égyptienne, qu'elle soit religieuse, funéraire ou politique.

D'une amulette en forme de grenouille à la sculpture monumentale des babouins de l'obélisque de Louqsor, en passant par le cercueil d'un serpent ou la momie d'un ibis, près de 430 œuvres seront réunies. La grande majorité provient de la collection égyptologique du Louvre, l'une des principales au monde. Des spécimens zoologiques seront également exposés, issus de muséums d'histoire naturelle.

William Blake: Apprentice and Master

www.ashmolean.org
4th December 2014 - 1st March 2015

A major exhibition on the work of William Blake (1757–1827), printmaker, painter and revolutionary poet of the prophetic books. The exhibition also explores how Blake looked back to the master artist-printmakers at the beginnings of the Renaissance, and how he inspired and guided the young artist-printmakers who gathered around him in the last years of his life, Samuel Palmer, George Richmond and Edward Calvert.

RAFFAELLO. La Madonna Esterházy

03 dicembre 2014 - 11 gennaio 2015
http://www.comune.milano.it

Il Comune di Milano rinnova anche quest'anno l'appuntamento con i capolavori d'arte per offrire alla città, durante le feste di Natale, un incontro speciale con la bellezza. Dal 3 dicembre 2014 all'11 gennaio 2015 infatti, nella sala Alessi a Palazzo Marino, la cinquecentesca sede del Comune di Milano, verrà ospitata la Madonna Esterházy di Raffaello, splendida opera del genio del Rinascimento proveniente dal Museo delle Belle Arti di Budapest (Szépm vészeti Múzeum).
Promossa dal Comune di Milano, Intesa Sanpaolo e la Rinascente, l'iniziativa è realizzata da Palazzo Reale e dal Museo delle Belle Arti di Budapest in collaborazione con le Gallerie d'Italia di Piazza Scala, curata da Stefano Zuffi e organizzata con la collaborazione di Arthemisia Group.
Il dipinto, raffinatissimo e solare, raffigura la Madonna col Bambino e san Giovannino e segna esattamente la conclusione del fondamentale periodo trascorso da Raffaello a Firenze, prima di essere chiamato a Roma da Papa Giulio II. La composizione di quest'opera si ispira in modo esplicito a Leonardo, conosciuto e attentamente studiato da Raffaello, che porta con sé la tavola nel trasferimento a Roma, luogo dove aggiunge, sullo sfondo, i ruderi del Foro Romano, dipinti con precisione topografica, a riprova di una conoscenza diretta e di una serena e convinta “immersione” nella classicità.

Древлехранилища памятников иконописи и церковной старины в Русском музее

03 декабря 2014 - февраль 2015
http://www.rusmuseum.ru/
Корпус Бенуа

Выставка, на которой экспонируется около 600 произведений, посвящена 100-летию со дня открытия Древлехранилища памятников иконописи и церковной старины имени императора Николая II в Русском музее. К моменту открытия Древлехранилища Русский музей обладал крупнейшим собранием памятников церковной старины и бытовых древностей, поступавших с момента организации музея. Наиболее крупным являлось собрание Музея христианских древностей Императорской Академии художеств, перевезенное в полном составе в Русский музей в 1897 году.                 В последующие годы на хранение были приняты значительные частные коллекции В.А. Прохорова, В.В. Верещагина, А.А. Васильчикова, П.В. Синицына и других. В 1909 году с приходом на должность хранителя Художественного отдела П.И. Нерадовского начались поездки по монастырям и церквям для собирания древностей, а в 1912 году состоялось представление Николаю II икон и памятников прикладного искусства, присланных московскими антикварами и реставраторами.
Выставка призвана познакомить посетителей с основными этапами формирования собрания церковных древностей Русского музея (1897-1914). В экспозиции будут представлены шедевры из собраний и коллекций, поступивших в 1897 году и приобретенных на государственные средства к 1914 году. Материалы экспонируются цельными группами, представляющими конкретные коллекции, и блоками, позволяющими воссоздать в выставочных залах обстановку первых музейных экспозиций 1898 и 1914 годов. Впервые за долгие годы в едином выставочном пространстве показаны вместе уникальные памятники, представленные в экспозиции 1898 года: древнейший деревянный резной амвон, резные Царские ворота и медная «Корсунская» лампада из новгородского Софийского собора, часовня-киот из Воскресенского собора в Романове-Борисоглебске (XVII век), а также фигуры «старцев» из древнейших новгородских монастырей. Другой зал воспроизводит облик Древлехранилища на момент 1914 года, где экспонируются иконостас, подвесной хорос, аналои и т.н. тощие свечи, а также архивные фотографии с видами залов Древлехранилища. 

Шесть невозможностей до завтрака: английский нонсенс и русский алогизм

2 декабря 2014 года – 17 февраля 2015 года
mayakovsky.museum
Домик Чехова (ул. Малая Дмитровка, д. 29, стр. 4)

Совместно с галереей «Культпроект» музей организует выставку «Шесть невозможностей до завтрака: английский нонсенс и русский алогизм». На ней миры английского нонсенса и русской футуристической феерии 1910-20-х гг. соединятся. Как в «Зазеркалье» Л.Кэрролла, здесь можно будет свободно путешествовать во времени, сжимать и растягивать пространство, выпадать из логики, не учитывать привычные связи причин и следствий, а творить новые.

На выставке будут представлены подлинные документы, фотографии, рукописные книги из коллекции музея и частных коллекций, особое место займут работы современных художников-футуристов: Юрия Ващенко, Петра Перевезенцева, Сергея Якунина.

Музей, на протяжении десятилетий бережно сохранявший наследие русского авангарда (в частности футуризма), предлагает зрителю стать участником своеобразного эксперимента: оказавшись в точке пересечения разнонаправленных творческих векторов, бросить взгляд на «Классику авангарда» - экспонаты из музейного собрания. Точка эта - абсурд как способ постижения мира.

Но здесь и заключен искомый парадокс времени и пространства - нашими современниками оказываются все «действующие лица» экспозиции: Роман Якобсон и Льюис Кэрролл, Тургенев и Крученых, Алиса Плэзнс Лиддэлл и Алиса Ивановна Порет … «Безумное чаепитие» Кэрролла переходит в чаепитие Чинарей. И у каждого есть возможность принять в нем участие!

Александр Самохвалов (1894-1971)

27 ноября 2014 - январь 2015
http://www.rusmuseum.ru, Корпус Бенуа

Персональная выставка произведений одного из самых известных советских художников приурочена к 120-летию со дня рождения. Лучшие живописные произведения Александра Николаевича Самохвалова (1894-1971), ставшие классикой отечественного искусства 1920-1930-х годов, представлены в постоянной экспозиции Русского музея и участвуют во многих его выставках. Заслуженное признание получили работы художника, выполненные в первое послереволюционное десятилетие и обнаруживающие органичный синтез художественных открытий начала ХХ века и традиций древнерусского монументального искусства, а также сюжетные композиции и портреты начала 1930-х годов, посвященные советской молодежи, включая знаменитую серию акварелей «Метростроевки».

Последняя выставка работ этого мастера проходила в Русском музее сорок лет назад.  Экспозиция знакомит с основными этапами творчества мастера, начиная с самых ранних работ 1910-х годов, и завершается одним из последних его масштабных полотен - «Аппассионата (Строители коммунизма)» (1967). Основной акцент сделан на периоде расцвета творчества Самохвалова в 1920-1930-е годы. Основная задача выставки - представить художника, не просто воплотившего масштаб перемен и свершений своей эпохи и отразившего нового человека, но и обладавшего тонким лирическим восприятием мира.

Connecting continents: Indian Ocean trade and exchange

27 November 2014 – 31 May 2015
http://www.britishmuseum.org

This small display features objects showing the long and complex history of Indian Ocean trade and exchange, from ancient times to the present.

For thousands of years, the Indian Ocean has been a space through which people, objects and ideas have circulated. The navigable monsoon winds enabled merchants to travel between Africa, the Middle East and Asia, exchanging valuable commodities such as textiles, spices and ceramics. From early coastal trade between the great ancient civilisations of the Indus Valley and Mesopotamia through to the heyday of European East India Companies and to the present, the Indian Ocean has remained a dynamic economic maritime zone.

This display presents objects from across different sections of the British Museum’s collection, including a 19th-century boat from Indonesia, created entirely from cloves and a Roman necklace made from sapphires and garnets, to tell this long and fascinating history of global interaction.

Goya in Madrid

www.museodelprado.es
24 November 2014 – 3 May 2015

Opening in November and coinciding with the remodelling of the galleries on the second floor of the Museum’s south wing that house Goya’s cartoons and the collection of 18th-century Spanish paintings, the Museo del Prado will be presenting an exhibition on Goya’s tapestry cartoons, to be shown in its temporary exhibition galleries. The cartoons will be displayed alongside loans from other collections and paintings on deposit or not habitually on display in order to establish an innovative dialogue between Goya’s cartoons and the works of other artists of his own time or earlier. This dialogue will reveal the artist’s links with earlier tradition, the inspiration of the classical world, which was of such fundamental importance in the second half of the 18th century, and his range of contemporary sources.

In addition, the exhibition will reveal how the tapestry cartoons are essential for an understanding of the artist’s work and for an appreciation of his particular technique, unique and varied artistic resources and the particular nature of his models, with their characteristic appearances and distinctive gestures. Together these elements laid the way for Goya’s subsequent creations in his small-format paintings, drawings and print series

Кузница большой архитектуры. Советские конкурсы 1920-х–1950-х

20 ноября–15 февраля
http://muar.ru

В рамках выставочного проекта в семи выставочных залах Анфилады Музея архитектуры, будут представлены объекты уникальной архитектурной графики, макетов и фотографии конкурсных материалов для семи знаковых построек Москвы: это гостиница «Москва» в Охотном Ряду, редакция газеты «Известия» на Пушкинской площади, Центральный телеграф на Тверской, Библиотека им. В.И. Ленина, Концертный зал им. П.И. Чайковского, Военная академия им. М.В. Фрунзе и здание Академии наук. Возведению всех этих объектов предшествовали серьезные конкурсы, о масштабности которых можно будет судить по числу представленных вариантов. На примере этих конкурсных материалов посетители выставки смогут самостоятельно оценить саму роль конкурсов в формировании архитектурных стилей и изменении городских пространств.

Еще до начала грандиозных московских строек 1930–1950-х годов, именно благодаря проведенным конкурсам архитектурные проекты становились предметом особого внимания всей страны. Однако, в силу того, что Москва во все времена была главным ориентиром и культурной моделью и для СССР, и для России, кураторы проекта, Ирина Чепкунова и Сергей Чобан, ограничили выбор именно рядом столичных построек. В проекте прослеживается история не только самих семи выбранных зданий, но и целых городских районов, в которых они были возведены. Жизнь целых кварталов и площадей еще до того момента, как их планы вошли в конкурсные задания, история самих конкурсов, сложная судьба согласований, заказов, переработок и, наконец, строительства зданий будут представлены фондовыми материалами музея.

«Как бы ни заканчивались архитектурные конкурсы советского времени — реализовывались ли победившие в них проекты, или сдавались в архив — их история на примере семи ключевых построек вскрывает культурные механизмы творческого соревнования, пересечений архитектуры и политики, видоизменений городских площадей и площадок, формирующих образ столицы и стиль ее жизни», — отметила Ирина Коробьина, директор Музея архитектуры им. А.В. Щусева.

Madame Cézanne

November 19, 2014–March 15, 2015
http://www.metmuseum.org

Madame Cézanne, the first exhibition of paintings, drawings, and watercolors by Paul Cézanne (1839–1906) of his most painted model, Hortense Fiquet (1850–1922), will open at The Metropolitan Museum of Art on November 19. The exhibition will trace Cézanne’s lifelong attachment to the woman who was his model, his wife, and the mother of his son, Paul. She profoundly influenced his portrait practice for more than two decades, and yet, she was not well received—by either his family or his friends.

Highlights of the painted portraits in Madame Cézanne will include Madame Cézanne in a Red Armchair (ca. 1877) from the Museum of Fine Arts, Boston; Madame Cézanne (ca. 1885) from the private collection on loan to Staatliche Museen zu Berlin, Nationalgalerie, Museum Berggruen in Berlin; Portrait of Madame Cézanne (ca. 1885–87) from the Philadelphia Museum of Art; Portrait of Madame Cézanne in a Striped Dress (1883–85) from Japan’s Yokohama Museum of Art; Madame Cézanne in Blue (ca. 1888–90) from the Museum of Fine Arts, Houston; and the aforementioned canvases from the Metropolitan Museum’s collection. Highlights of the works on paper will include three striking watercolors, 14 drawin

7 ans de réflexion. Dernières acquisitions

18 novembre 2014 - 22 février 2015
http://www.musee-orsay.fr

Sept ans de réflexion est une exposition qui rassemble les pièces majeures acquises par le musée d'Orsay pendant les sept dernières années. Une telle exposition permet d'apprécier les enjeux de la politique d'enrichissement des collections nationales.

Le budget annuel des acquisitions du musée d'Orsay, abondé par un prélèvement de 16 % du droit d'entrée des collections permanentes, reste important au regard de nombre d'établissements nationaux moins favorisés ; il est toutefois très éloigné des réalités du marché international, particulièrement en ce qui concerne la peinture de la période d'Orsay (1848-1914). Les acquisitions reflètent à la fois les arbitrages collégiaux fondamentaux et la justesse d'une politique qui doit saisir les opportunités judicieuses.

Cette exposition a pour but de mettre en avant les perles qui rejoignent les cimaises de notre établissement pour la délectation des visiteurs.

Непревзойденный Веджвуд

15.11.2014—01.02.2015
http://vmdpni.ru

15 ноября в залах Всероссийского музея декоративно-прикладного и народного искусства откроется масштабная выставка легендарного фарфора фирмы Веджвуд, приуроченная к Перекрестному Году культуры Великобритании и России 2014. В экспозицию площадью шестьсот квадратных метром войдут произведения из собрания Музея Леди Ливер (Ливерпуль), ранее не покидавшие пределы страны, а также уникальные экспонаты из коллекций Государственного Эрмитажа, Государственной Третьяковской Галереи, Царского Села, Усадьбы Останкино, Музея и усадьбы Кусково, Коломенского, Павловска и Петергофа.

ГЕОРГИЙ КОСТАКИ. "ВЫЕЗД ИЗ СССР РАЗРЕШИТЬ…". К 100-ЛЕТИЮ КОЛЛЕКЦИОНЕРА

12 ноября — 8 февраля 2015
http://www.tretyakovgallery.ru/

Георгий Дионисович Костаки (1913–1990) – выдающийся коллекционер, которому безупречный художественный вкус позволил создать знаменитое собрание, включающее произведения русской иконописи, живописи и графики авангарда и нонконформизма.В 1977 году часть коллекции Г.Д.Костаки из 834 произведений живописи и графики художников русского авангарда поступила в дар Третьяковской галерее. Другая часть собрания после долгих выставочных турне и аукционов была куплена правительством Греции и сейчас находится на исторической родине Г.Д.Костаки в Музее современного искусства города Салоники.

Выставка, на которой воссоединятся произведения из греческой и российской частей коллекции, позволит отечественным зрителям впервые увидеть многие ранее не экспонировавшиеся в Москве работы и оценить уникальный талант коллекционера.

The Benedictines in the Heart of Europe 800-1300 "Open the Gates of Paradise"

07.11.2014 - 15.03.2015
http://www.ngprague.cz

Through its selected objects mainly from the fields of decorative art, sculpture, book illumination and architecture, the exhibition will explore the uniquely rich spiritual and artistic culture of the Benedictine Order in Central Europe during the Early Middle Ages. Emphasis will be also placed on the history of Central European states in the Early Modern Era, while underscoring the irreplaceable role of the Benedictine Order in that epoch.

American Impressionism

4th November 2014 - 1st February 2015
www.museothyssen.org

Following the exhibition of French Impressionism organised by the art dealer Paul Durand-Ruel in New York in 1886, American artists began to deploy the new brushstroke, brilliant colours and fleeting effects characteristic of the French movement, and many of these artists decided go to Paris in order to become acquainted with it at first hand. Organised by the Musée des Impressionnismes Giverny and the Terra Foundation for American Art, in collaboration with the National Galleries of Scotland and the Museo Thyssen-Bornemisza, this exhibition will be the first in Spain to focus on the spread of Impressionism in the USA. Its curator, Katherine Bourguignon, curator of the Terra Foundation for American Art Europe, will make use of the approximately 60 paintings in the exhibition to analyse the way in which American artists discovered Impressionism in the 1880s and 1890s and the particular interpretation of this style that they developed around 1900. With financial support from the Terra Foundation for American Art, the exhibition will first be shown at Musée des Impresionnismes Giverny in the spring of 2014, then at the National Galleries of Scotland (Edinburgh) in the summer, and from November at the Museo Thyssen-Bornemisza, Madrid.

El Greco in New York

November 4, 2014–February 1, 2015
www.metmuseum.org

To commemorate the four-hundredth anniversary of the death of El Greco, the Metropolitan Museum and the Hispanic Society of America are pooling their collections of the work of this great painter to provide a panorama of his art unrivaled outside the Museo del Prado in Madrid. The Frick Collection will display its paintings contemporaneously.

This is a unique opportunity to see this artist's work, which exerted such a strong impact on modern painting and especially appealed to New York collectors.

El Greco at The Frick Collection

www.frick.org
November 4, 2014 to February 1, 2015

Henry Clay Frick had a deep appreciation for Spanish painting, particularly the work of El Greco, the extraordinary Greek artist who, after a brief period in Italy, spent most of his life in Toledo, Spain. Frick traveled to Spain twice and acquired three works by the artist between 1905 and 1913. Here they are displayed side by side for the first time in a presentation organized in concert with El Greco in New York (link is external) at the Metropolitan Museum of Art. Together, the two exhibitions show all of El Greco’s work in New York public collections and mark the 400th anniversary of the painter’s death.

With this installation, the Frick continues its 2014 focus on the artist, which began with Men in Armor: El Greco and Pulzone Face to Face (August 5–October 26, 2014)

Большая русская икона

1-27 ноября, 2014
www.moscowmanege.ru

Уникальное собрание храмовых икон из коллекции Феликса Комарова.

Меценат и увлеченный собиратель Феликс Комаров на протяжении многих лет интересуется русским религиозным искусством. Впервые он решил полномасштабно показать свою коллекцию и предоставил для экспозиции 300 больших храмовых икон музейного уровня. Разные школы иконописи, Ярославская, Костромская, Вологдская, Ростовская, будут представлены на выставке. Особый интерес представляют памятники, созданные в старообрядческой художественной традиции. Коллекция охватывает более чем трехсотлетний период в истории религиозного искусства (с рубежа XVI–XVII столетий до начала XX века) и позволяет проследить, как менялась стилистика иконописных изображений

Diego Velazquez

28th October 2014 - 15th February 2015
www.khm.at

In 2014 the Kunsthistorisches Museum Vienna will show the first individual exhibition in honour of this famous artist in the service of the “Casa de Austria”. The focus of the exhibition is to provide a comprehensive display of this artist’s versatile and artistically ever constant and extraordinary creative power, and to present, along with the portraits, also examples of his mythological and religious works as well as still life, landscape and animals studies.

Outstanding items on loan from the National Gallery London and the Museo del Prado allow for a differentiated view of the uniquely artistic works of Diego Velásquez.  He himself was involved in the study of the paintings in the royal picture gallery in Madrid, and he also studied the works of other artists on his trips to Italy.

Thanks to the close familial and political relationship between the Habsburg Houses in Vienna and Madrid in the 17th century the Picture Gallery of the Kunsthistorisches Museum Vienna owns an important group of extraordinary portraits produced by the court painter of King Philipp IV. Alongside the portraits of Maria Teresa and the Infant Philipp Prosper, the enchanting painting series of Infanta Margarita Teresa in particular achieved worldwide fame. These portraits, which show her as a three, five and eight year old girl, were painted for her future husband from the House of Habsburg.

The Picture Gallery in the Kunsthistorisches Museum Vienna offers the unique opportunity to compare the works of Velásquez with portrayals of the same themes produced by great artists from Italy and the Netherlands.

Claude Monet

24th October 2014 - 8th February 2015
www.belvedere.at

The autumn exhibition to be held at the Lower Belvedere’s Orangery in 2014 will be devoted to the French painter Claude Monet, one of the principal practitioners of Impressionism, and the profound impact of his painting on Austrian art.

Besides Edouard Manet, the Viennese art scene of the late nineteenth and early twentieth centuries regarded Monet as the central and formative figure of French Impressionism. His works were on display in exhibitions at the Künstlerhaus, the Secession, and the legendary Miethke Gallery and were known to his contemporaries from periodicals and books. The most outstanding show, entitled The Evolution of Impressionism in Painting and Sculpture, was held at the Vienna Secession in 1903, where the Modern Gallery (the institution preceding today’s Österreichische Galerie Belvedere) acquired Monet’s painting The Chef (Monsieur Paul); later on, Fishermen on the Seine at Poissy and one of his masterpieces, Garden Path at Giverny, were added to the collection. Monet’s influence on Austrian painters and photographers was immediate and multifaceted. Some artists adopted his stylistic handling, while others were interested in his pictorial motifs, compositions, or conceptual approaches.

The exhibition at the Belvedere assembles works by the exceptional French painter that were either on view in Vienna around 1900 or served as models and presents them together with selected paintings and photographs by Austrian artists active during the period in question. Both this juxtaposition and historical documents will allow us to trace Monet’s impact on domestic art production, such as by Gustav Klimt, Emil Jakob Schindler, Max Weiler,
Olga Wisinger-Florian, and Ludwig Heinrich Jungnickel.

Egon Schiele: The Radical Nude

23 October 2014 - 18 January 2015
http://www.courtauld.ac.uk

Egon Schiele (1890 - 1918) is one of the most important artists of the early 20th century and a central figure of Austrian Expressionism.

This exhibition brings together an outstanding group of the artist’s nudes to chart his ground-breaking approach during his short but urgent career

Schiele’s technical virtuosity, highly original vision and unflinching depictions of the naked figure distinguish these works as being among his most significant contributions to the development of modern art.

This sharply focused exhibition will be a major opportunity to see more than thirty of these radical works assembled from international public and private collections.   

A Shared History. Treasures from the Royal Palaces of Spain

From 22 Oct 2014 to 25 Jan 2015
http://www.gulbenkian.pt/

This exhibition is due to the initiative of Spain’s Patrimonio Nacional, an institution that preserves the palaces used today by the royal family, several convents founded by the royal house and their respective archives. Placing particular emphasis on collecting and on the patronage practised by the monarchs and members of Spain’s royal family, this exhibition has a third underlying theme in that it evokes and illustrates the political and matrimonial relations between the two Iberian royal houses.‘Shared History’ covers 350 years, beginning in the era of Isabella I of Castile (1451-1504, r. 1474-1504), a key figure in establishing Spain as a European power following the unification of the Iberian kingdoms under her reign. Another Isabella, the Infanta Maria Isabel of Portugal (1797-1818), married Ferdinand VII of Spain and, unbeknownst to many Portuguese, founded the Prado Museum. The museum itself recalls this fact with enthusiasm and gratitude.

Hubert de Givenchy

22 October 2014 - 18 January 2015 
http://www.museothyssen.org

This exhibition, the first major retrospective to be devoted to Hubert de Givenchy and the Museum’s first incursion into the world of fashion, will present a selection of the finest creations by the French fashion designer.

Curated by Hubert de Givenchy himself, it will thus offer a unique focus on his collections over the past half century, from the founding of Maison Givenchy in Paris in 1952 to his retirement in 1996.

On display will be dresses that he designed for some of the 20th century’s most iconic personalities, including Jacqueline Kennedy, the Duchess of Windsor, Caroline of Monaco and his muse and friend Audrey Hepburn (whom he dressed for films such as Sabrina and Breakfast at Tiffany’s); examples of Givenchy’s most original creations such as the “Bettina blouse” and the “sack dress”; and his admired prêt-à-porter designs, a concept he invented in 1954. These creations will be shown alongside a group of works of different periods and styles from the Museo Thyssen’s collections.

Death Becomes Her. A Century of Mourning Attire

October 21, 2014–February 1, 2015
http://www.metmuseum.org


This Costume Institute exhibition will explore the aesthetic development and cultural implications of mourning fashions of the nineteenth and early twentieth centuries. Approximately thirty ensembles, many of which are being exhibited for the first time, will reveal the impact of high-fashion standards on the sartorial dictates of bereavement rituals as they evolved over a century.

The thematic exhibition will be organized chronologically and feature mourning dress from 1815 to 1915, primarily from The Costume Institute's collection, including mourning gowns worn by Queen Victoria and Queen Alexandra.

Archibald Motley: Jazz Age Modernist

October 19, 2014–February 1, 2015
http://www.lacma.org

Archibald Motley: Jazz Age Modernist presents a full-scale survey of one the most important artists of the Harlem Renaissance, featuring the painter's visual examination of African American culture during the Jazz Age. The exhibition covers Motley's entire career, including periods in Chicago, Paris, and Mexico. Motley received his formal training at the School of the Art Institute of Chicago, and went on to create strong and somewhat solemn portraits of his community, as well as vividly hued, lively scenes of crowded dancehalls that reflect the colorful spirit of the Harlem Renaissance. The exhibition features a number of paintings depicting the black communities of Chicago and Paris just before and after the Great Depression, and concludes with introspective moments of quotidian life in Mexico, made during the artist's travels during the 1950s.

Van Gogh. L'uomo e la terra

18 ottobre 2014 -  08 marzo 2015
http://www.vangoghmilano.it

A 62 anni di distanza dall'ultima grande mostra che stupì Milano, torna a Palazzo Reale il genio di Van Gogh. Oltre 50 opere provenienti da tutto il mondo - a partire dal Kröller-Müller Museum di Otterlo per arrivare a importanti musei internazionali fino a collezioni private normalmente inaccessibili -raccontano la terra e i suoi frutti, l'uomo, gli umili, la vita rurale e agreste in un percorso inedito verso le tematiche di Expo 2015. 

Sonia Delaunay. Les couleurs de l’abstraction

17 octobre 2014 - 22 février 2015
http://www.mam.paris.fr

Première grande rétrospective parisienne consacrée à Sonia Delaunay depuis 1967, l’exposition organisée par le Musée d’Art moderne de la Ville de Paris rassemble, aux côtés de trois reconstitutions exceptionnelles d’environnements, plus de 400 œuvres : peintures, décorations murales, gouaches, estampes, mode et textiles. Cette monographie qui suit l’évolution de l’artiste de l’aube du XXème siècle à la fin des années 1970, met en lumière l’importance de son activité dans les arts appliqués, sa place spécifique au sein des avant-gardes européennes, ainsi que son rôle majeur dans l’abstraction dont elle figure parmi les pionniers.

Le parcours chronologique, largement documenté, illustre la richesse et la singularité de l’œuvre de Sonia Delaunay marquée par un dialogue soutenu entre les arts. L’ensemble des œuvres choisies révèle une approche personnelle de la couleur, réminiscence de son enfance russe et de son apprentissage de la peinture en Allemagne.

Alberto Giacometti

17th October 2014 - 26th January 2015
www.leopoldmuseum.org

In cooperation with the Kunsthaus Zürich and the Alberto Giacometti Foundation, Zurich

With the exhibition »Alberto Giacometti. Pioneer of the Avant-Garde« the Leopold Museum shines the spotlight on an artist who is widely considered to be the most important sculptor of the 20th century. The works of Alberto Giacometti (1901 – 1966) are among the most expensive artworks in the world. As recently as 2010 his work »L‘homme qui marche l« fetched the astronomical sum of 74 million Euros at Sotheby's in London, the highest price ever paid for a sculpture.

Born in the Italian-speaking part of Switzerland, Giacometti moved to Paris in the early 1920s, where he initially joined the circle of artists surrounding André Breton. In the exhibition Giacometti’s Surrealist works are juxtaposed with works from the same period created by his friends and acquaintances, including René Magritte, Max Ernst and Joan Miró. Following his break with the Surrealists in 1935, Giacometti arrived at the inimitable style of his mature period during the 1940s. While he refocused on representational depictions of human figures, he did so in an entirely unique manner characterized by striking changes in proportions. Many of these works have a strong three-dimensional effect which is highlighted in the exhibition through the special positioning and staging of his works. At the same time, Giacometti’s sculptures, paintings and drawings will be juxtaposed with works by masters of International Modernism, including Francis Bacon, Jackson Pollock and Cy Twombly.

Anarchy & Beauty: William Morris and His Legacy, 1860 – 1960

16 October 2014 - 11 January 2015
http://www.npg.org.uk

Anarchy & Beauty explores the life and ideas of the great Victorian artist, writer and visionary thinker William Morris. Through portraits, personal items and fascinating objects, many of which will be on public display for the first time, this major exhibition illustrates Morris’s concept of ‘art for the people’ and highlights the achievements of those that he inspired.

Curated by acclaimed author and biographer Fiona MacCarthy, the display features original furniture and textiles designed and owned by Morris as well as the work of his contemporaries including Dante Gabriel Rossetti and Edward Burne-Jones. These will be innovatively showcased alongside remarkable books, jewellery, ceramics and clothing by craftspeople such as Eric Gill, Bernard Leach and Terence Conran, demonstrating how Morris’s legacy continued into the twentieth century, influencing radical politics, the Garden City movement and the Festival of Britain in 1951.

Сикорский: крылья будущего

15 октября - 15 декабря
polymus.ru

Игорь Сикорский — конструктор, изобретатель и философ. Этот человек мечтал преодолеть границы невозможного и исполнил свои мечты. Сикорский создал первые вертолеты, многомоторные самолеты, летающие лодки, гидропланы и стал первооткрывателем новой эры мировой авиации. На выставке в павильоне №26 на ВДНХ посетители познакомятся с его изобретениями и увидят самолеты изнутри: так близко, как до сих пор их могли увидеть только пилоты и механики начала и середины XX века. Посетителей выставки ждут мастер-классы по авиамоделированию и другие тематические мероприятия.

Rembrandt: the Final Years

15th October 2014 - 18th January 2015
www.nationalgallery.org.uk


Rembrandt: The Final Years offers visitors the once-in-a-lifetime opportunity to experience the passion and innovation of Rembrandt’s late works, in an exhibition organised by the National Gallery in collaboration with Amsterdam’s Rijksmuseum.

The exhibition will bring together approximately 40 paintings, 20 drawings and 30 prints, featuring key works lent by European and North American museums including the National Gallery of Art in Washington and the Mauritshuis in the The Hague.

Rembrandt's restless creativity gathered new energy as he aged. Between the 1650s and his death in 1669 he consciously pursued a new style that was even more expressive and profound. His audacious manipulation of printing and painting techniques, and his new and original interpretations of traditional subjects, gave his work a depth that influenced countless printmakers, painters and draftsmen in the generations that followed.

This extraordinary exhibition highlights the formal and iconographic concerns that occupied Rembrandt in the final years of his life. The works he produced during this period are soulful, honest and in many ways define our image of Rembrandt as a man and as an artist.

Baccarat. La légende du cristal

15 octobre 2014 – 4 janvier 2015 
http://www.petitpalais.paris.fr

À l’occasion du 250e anniversaire de Baccarat, le Petit Palais exposera dans ses Grandes Galeries les chefs d’oeuvre de la plus illustre manufacture de cristal au monde, étonnants témoignages de la virtuosité de ses artisans.

Il s’agit de la première rétrospective en France dédiée à Baccarat depuis l’exposition du Bicentenaire aux Arts décoratifs en 1964. En accord avec l’architecture du Petit Palais élevé pour l’Exposition universelle de 1900, l’exposition présentera les créations de Baccarat conçues pour les grandes expositions parisiennes de 1823 à 1937, au cours desquelles la manufacture conquiert une notoriété internationale. C’est également à la faveur de ces rendez-vous que Baccarat attire par son éclat les commandes des grands de ce monde.

Sade. Attaquer le soleil

14 octobre 2014 - 25 janvier 2015
http://www.musee-orsay.fr/ 

Alphonse Donatien de Sade (1740-1814) a bouleversé l'histoire de la littérature comme celle des arts, de manière clandestine d'abord puis en devenant un véritable mythe.
L'oeuvre du "Divin Marquis" remet en cause de manière radicale les questions de limite, proportion, débordement, les notions de beauté, de laideur, de sublime et l'image du corps. Il débarrasse de manière radicale le regard de tous ses présupposés religieux, idéologiques, moraux, sociaux.
Suivant l'analyse d'Annie Le Brun, spécialiste de Sade et commissaire invitée, l'exposition met en lumière la révolution de la représentation ouverte par les textes de l'écrivain. Seront abordés les thèmes de la férocité et de la singularité du désir, de l'écart, de l'extrême, du bizarre et du monstrueux, du désir comme principe d'excès et de recomposition imaginaire du monde, à travers des oeuvres de Goya, Géricault, Ingres, Rops, Rodin, Picasso…

HANS MEMLING. Rinascimento Fiammingo

11 ottobre 2014 - 18 gennaio 2015 
http://www.scuderiequirinale.it

Al centro la grandiosa figura di San Michele intento a pesare le anime alla presenza della corte celeste. A sinistra i beati accolti da San Pietro si apprestano a varcare le porte del Paradiso. A destra, i dannati che precipitano nel fuoco dell?inferno.

Questo è ciò che viene rappresentato nel trittico del Giudizio Universale di Hans Memling, conservato al Museo di Danzica, destinato dal pittore fiammingo all?Italia, più precisamente alla cappella dedicata a San Michele nella Badia Fiesolana a Firenze, ma che in Italia non arrivò mai. Commissionata dal banchiere fiorentino Angelo Tani e da sua moglie Caterina di Francesco Tanagli – entrambi raffigurati inginocchiati del retro degli sportelli del trittico – venne caricata sulla galea San Tommaso assalita dai pirati che trasportarono il carico nella città di Danzica, che si era dimostrata il migliore offerente per il prezioso bottino. Il trittico del Giudizio Universale venne ammirato a tal punto dagli abitanti della città che questi decisero di collocarlo nel Duomo della città. Inutile fu la causa intentata per riaverlo. Il Tani era particolarmente legato a quell?opera in quanto per lui rappresentava un riscatto morale e al contempo un chiaro messaggio per un suo ex amico, il quale gli aveva slealmente sottratto un incarico prestigioso in una banca di Bruges. Angelo Tani, scegliendo Memling per realizzare l?opera, si era rivolto al più famoso e caro artista del luogo, perché dipingesse il giudizio universale, come a dire che se la giustizia umana nulla aveva potuto nel suo caso, sarebbe stata la mano divina a punire un giorno i torti da lui subiti.

Frank Gehry

8 octobre 2014 - 26 janvier 2015
www.centrepompidou.fr

Le nom de Frank Gehry incarne à lui seul l'image de l'architecture contemporaine. Mondialement reconnu pour des projets qui ont aujourd'hui valeur d'icône, son œuvre a révolutionné l'esthétique de l'architecture, son rôle social et culturel dans la ville. C'est à Los Angeles que Frank Gehry initie sa pratique. Il côtoie dès les années soixante la scène artistique californienne, proche d'artistes comme Ed Ruscha, Richard Serra, Claes Oldenburg, Larry Bell, Ron Davis, pour n'en citer que quelques-uns. La rencontre avec les œuvres de Robert Rauschenberg et de Jasper Johns ouvre la voie à la reconfiguration de sa pratique architecturale. Elle l'engage notamment à introduire l'usage des matériaux pauvres comme le carton, la tôle, les grillages industriels. L'extension de sa propre maison à Santa Monica en est un manifeste. Les projets de Frank Gehry reposeront dès lors sur une interrogation de ses propres moyens d'expression. Cette position de passeur, entre art et architecture, le conduit à écrire l'histoire la plus récente, et légendaire, de Los Angeles. Alors que triomphe le postmodernisme, Frank Gehry, au contraire, s'en échappe. Il s'en explique par exemple dans un dialogue resté célèbre avec le cinéaste Sydney Pollack qui réalise un film biographique, en 2005.