L'ossessione nordica. Böcklin, Klimt, Munch e la pittura italiana

Dal 22 Febbraio 2014 al 02 Giugno 2014
http://www.palazzoroverella.com

L’arte nordica (scandinava, baltica, scozzese e tedesca più in generale) occupò nelle prime edizioni della Biennale di Venezia, che nasce nel 1895, il ruolo di protagonista, a fianco dei residui dell’arte pompier e delle manifestazioni dell’ ufficialità accademica internazionale, rappresentando un elemento di novità e la vera svolta verso linguaggi e sensibilità ‘moderni’ e talvolta rivoluzionari.

Incise anche sull’ evoluzione dell’ambiente artistico italiano tanto che Vittorio Pica, il critico italiano forse più aggiornato e internazionale dell’epoca, ebbe a dire nel 1901 con indubbia efficacia come gli artisti italiani, vecchi e giovani, fossero presi da una sorta di ossessione nordica: “Il visitatore che entra per la prima volta in alcune sale della sezione italiana di questa quarta mostra di Venezia e si sofferma a guardarne, con particolare attenzione, le varie tele, grandi e piccole, disposte in bell'ordine intorno alle pareti, non può non osservare che parecchi dei nostri pittori, specie se veneti o lombardi, si appalesano profondamente influenzati dall'arte nordica, tanto da rinunciare ad alcuni tradizionali caratteri dell'arte italiana per presentarsi camuffati da Scozzesi, Scandinavi o Tedeschi”.

Partendo da questa intuizione di Pica, che fu anche Segretario generale della Biennale, per la prima volta una grande mostra intende documentare quanto i “Nordici”, intesi nel senso più ampio del termine secondo le intenzioni del critico, Boecklin, Hodler, Klimt, Klinger, von Stuck, Khnopff e gli Scandinavi di varie tendenze come Zorn, Larsson o addirittura Munch, abbiano influenzato gli italiani, che ne hanno subìto il fascino o che ne hanno abbracciato con convinzione ed efficacia le suggestioni. 

Matisse, la figura. La forza della linea, l'emozione del colore

Dal 22 Febbraio 2014 al 15 Giugno 2014
http://www.palazzodiamanti.it

Il genio di Matisse ha cambiato il corso dell’arte del Novecento, imprimendo la sua visione nuova ad ogni genere artistico. Nessuno di questi, però, l’ha affascinato quanto la rappresentazione della figura, soprattutto femminile, al punto da impegnarlo per l’intero arco della sua carriera in una ricerca incessante attraverso tutte le tecniche. È questo il tema attorno a cui è incentrata la mostra che Palazzo dei Diamanti dedica ad un gigante della storia dell’arte moderna, evocando il suo percorso creativo e, al tempo stesso, mettendo in luce le strette relazioni tra la sua produzione pittorica, scultorea e disegnativa.

Con questa rassegna, curata da Isabelle Monod-Fontaine, già vicedirettrice del Centre Pompidou e studiosa di Matisse riconosciuta in ambito internazionale, la Fondazione Ferrara Arte intende proporre un ritratto a tuttotondo e non scontato del maestro francese, che metta in risalto le sue doti di alchimista del colore, ma anche il suo grande talento grafico e scultoreo. Una selezione di opere provenienti da musei e collezioni private di ogni parte del mondo, racconterà l’avventura attraverso la quale Matisse, al pari di Picasso, si è ispirato al più classico dei temi, quello della figura, e ne ha sovvertito la rappresentazione tradizionale.
Ad accogliere il visitatore sarà il magnetico Autoritratto del 1900 (Parigi, Centre Pompidou) assieme a giovanili e potenti prove di studio sul modello. La gioiosa vitalità della stagione fauve verrà poi rievocata da un dipinto raggiante di colori puri, quale il Ritratto di André Derain (1905, Londra, Tate), e dalle creazioni nate sotto la suggestione della pittura di Cézanne e della scultura africana, come il fondamentale bronzo Nudo disteso (1907, Centre Pompidou) e la tela Nudo in piedi (1907, Tate), entrambi sorprendenti per la scansione delle forme e il potenziale espressivo.

Italian Futurism, 1909–1944: Reconstructing the Universe

21st February 2014 - 1st September 2014
www.guggenheim.org

The first comprehensive overview of Italian Futurism to be presented in the United States, this multidisciplinary exhibition examines the historical sweep of the movement from its inception with F. T. Marinetti’s Futurist manifesto in 1909 through its demise at the end of World War II. Presenting over 300 works executed between 1909 and 1944, the chronological exhibition encompasses not only painting and sculpture, but also architecture, design, ceramics, fashion, film, photography, advertising, free-form poetry, publications, music, theater, and performance. To convey the myriad artistic languages employed by the Futurists as they evolved over a 35-year period, the exhibition integrates multiple disciplines in each section. Italian Futurismis organized by Vivien Greene, Curator, 19th- and Early 20th-Century Art, Solomon R. Guggenheim Museum. In addition, a distinguished international advisory committee has been assembled to provide expertise and guidance.

Corot dans la lumière du Nord

du 21 février au 21 mai 2014.
www.carcassonne.fr/

Si, comme Corot l’écrit dans ses Carnets, «  un homme ne doit embrasser la profession d’artiste qu’après avoir reconnu en lui une vive passion pour la nature  »1, sa vocation a tout de l’évidence. Jamais il ne cessa d’arpenter la France et les pays voisins, attiré tour à tour par de multiples régions, la pratique du paysage devenant le corollaire rigoureux de sa pratique du voyage. S’il est des attachements évidents, l’Italie, la forêt de Fontainebleau et les vallées de la Seine, certains semblent plus silencieux si ce n’est tus. A l’instar du musée Rath de Genève qui dédia en 2010 une exposition à « Corot et la Suisse », c’est à l’un de ces derniers que s’intéresse le musée de la Chartreuse de Douai avec «Corot dans la lumière du Nord». Alors que le Nord de la France est le territoire de prédilection du dernier tiers de la vie du peintre jamais encore une exposition n’en avait proposé l’étude. Aujourd’hui près de 130 peintures, dessins, clichés-verre et documents d’archives, dont de nombreux prêts provenant de collections publiques françaises et étrangères et de collections privées, lui sont spécifiquement dédiés, et, pour certains, présentés pour la première fois au public. Les commissaires de l’exposition, Marie-Paule Botte, directrice des publics et de la communication du musée, Gérard de Wallens et Nathalie Michel-Szelechowska, spécialistes de Corot, les ont réunis en un parcours thématique de 6 sections et en une muséographie très sobre aux tons sourds. L’analyse est exhaustive et parfaitement construite, le parcours, comme le catalogue, d’une grande rigueur scientifique.

Strange Beauty: Masters Of The German Renaissance

19th February 2014 - 11th May 2014
http://www.nationalgallery.org.uk/

This exhibition takes a fresh look at German Renaissance paintings in the National Gallery Collection, providing insights into the way these works were perceived in their time and in the recent past, and how they are seen today.

It will focus on some of the best-known artists of the period, including Hans Holbein the Younger, Albrecht Dürer and Lucas Cranach the Elder.  All famous artists in their own time, the exhibition will highlight the ways in which their paintings, drawings and prints were valued in the 16th century for qualities such as expression and inventiveness.

The exhibition will also examine the evolution of the perception of German Renaissance art and the reasons why attitudes towards it were mixed in the 19th and early 20th centuries, especially in the context of the National Gallery Collection. While some viewers admired the artists’ technical mastery and their embodiment of a perceived German national identity, others saw these works of art as excessive or even ugly – particularly when compared to works of the ItalianRenaissance.

This exhibition is the result of collaboration between the National Gallery and the University of York.

The World of Faberge

18th February 2014 - 18th May 2014
www.khm.at

As part of the Russian-Austrian Cultural Season the Kunsthistorisches Museum Vienna presents the work of Carl Fabergé, probably Russia’s leading and most influential jeweller and goldsmith at the turn of the 20th century.

The name Fabergé conjures up exceptional creations, virtuoso craftsmanship that combines outstanding artistic and technical skill with the finest materials. This is particularly true of the work produced by Peter Carl Fabergé following his appointment as court jeweller to the last Russian Tsar in 1885. Under him the House of Fabergé grew into one of the largest contemporary jewellery companies, at times employing over five hundred goldsmiths, stone cutters and jewellers from different countries. The company worked for the imperial Russian court and other European dynasties, for the nobility, plutocrats and financial magnates, but they also produced less exalted work designed for the Russian bourgeoisie.

Over 160 loans from the Kremlin Museums and the Fersman Mineralogical Museum in Moscow showcase Fabergé’s virtuosity, placing him in the context of contemporary Russian goldsmith work; another focus is the role of the imperial family. Four Imperial Easter eggs form the centre of the show - precious objets d’art commissioned by the Imperial family that frequently contain a world en miniature, a microcosm. Other artefacts that once belonged to members of the House of Romanov, treasured possessions that stayed with them until their final days, offer fascinating insights into life, both private and ceremonial, at the imperial court. We also showcase hardstone carvings by Fabergé and the imperial manufactories at Petergof and Yekaterinburg, documenting the continued popularity in late-nineteencentury Russia of an art form closely connected with Kunstkammer collections.

And, last but not least, Fabergé’s multi-facetted oeuvre is juxtaposed with the work of other Russian imperial jewellers such as Bolin, Carl Blank, Pavel Ovchinnikov or Ivan Khlebnikov, inviting visitors to enjoy and appreciate the outstanding technical and artistic virtuosity of late-nineteenth-century Russian jewellers, first celebrated in 1873 at the World Fair in Vienna.

Сюрреализм и livre d’artiste

18.02.2014 – 18.05.2014
http://www.arts-museum.ru/

Впервые в Отделе личных коллекций ГМИИ им. А.С Пушкина столь масштабно будут показаны сюрреалистические произведения известных художников XX века: Жана Арпа, Энрико Бая, Ханса Беллмера, Виктора Браунера, Сальвадора Дали, Оскара Домингеса, Джорджо де Кирико, Вифредо Лама, Андре Массона, Роберто Матта, Хоана Миро, Пабло Пикассо, Ива Танги, Доротеи Таннинг, Леонор Фини, Макса Эрнста.

Созданные в жанре «книга художника» - livre d'artiste с 1924 по 1980 год, они позволят проследить историю становления и развития сюрреализма как особого направления в искусстве ХХ века. На выставке будет представлено более 400 графических работ из 60 важнейших изданий. Среди экспонатов выставки такие раритеты, как работа Андре Массона (Limbour, Georges. Soleils Bas. Paris: Galerie Simon (Henry Kahnweiler), 1924) и произведение Сальвадора Дали (Char, René. Artine. Paris: Editions Surréalistes, 1930), фроттажи Макса Эрнста (Histoire naturelle. Paris: Madame Bucher, 1926) и его коллажи (Une semaine de bonté, ou les sepr elements capitaux. Paris: Éditions Jeanne Bucher, 1934). Настоящим сюрпризом для публики станет антивоенная работа Пабло Пикассо, Sueño y mentira de Franco, выполненная в 1937 году. Поводом для ее создания послужила бомбардировка Мадрида по приказу Франко в начале гражданской войны в Испании в 1936 году. Художник создавал ее параллельно с «Герникой».
Посетив выставку, зрители также смогут сопоставить два цикла иллюстраций к канонизированному сюрреалистами произведению Альфреда Жарри «Король Убю», созданные Хоаном Миро и Роберто Матта, а также впервые увидеть графические циклы таких художников, как Ханс Беллмер, Вифредо Лам, Леонор Фини.

Выставка в Отделе личных коллекций позволит российскому зрителю не только продолжить знакомство с livre d'artiste, но и открыть для себя новые страницы в истории сюрреализма, интереснейшего явления в искусстве XX века. Все работы для экспозиции представлены российскими коллекционерами Георгием Генсом и Борисом Фридманом.

Зинаида Серебрякова. Парижский период. Александр и Екатерина Серебряковы. Из собрания "Fondation Serebriakoff", Париж

14 февраля — 30 марта
http://www.tretyakovgallery.ru/

Экспозиция, подготовленная к 130-летию со дня рождения Зинаиды Евгеньевны Серебряковой (1884–1967), живописца, рисовальщика, принадлежавшей к плеяде художников-мирискусников "второй волны", представительницы прославленной художественной династии Бенуа-Лансере, – значительное событие в выставочной практике Третьяковской галереи.

Более половины жизни, начиная с 1924 года, З.Е.Серебрякова жила во Франции. Произведения этого периода долгое время были почти неизвестны в нашей стране. Первая крупная выставка ее произведений в СССР, включавшая французские работы, была устроена при участии художницы в 1965–1966 годах в Москве, Киеве и Ленинграде. Большинство привезенных из Парижа работ было приобретено крупнейшими музеями страны, в том числе в Третьяковскую галерею поступила серия великолепных пастелей. Настоящая выставка станет первой в России, целиком посвященной зарубежному творчеству художницы. В экспозицию вошло более 70 работ Серебряковой, хранившихся в ее парижской мастерской и никогда ранее не выставлявшихся в нашей стране.

Портреты представителей французской и русской аристократии стали для Серебряковой основным источником заработков. Она часто писала несколько вариантов портретов, добиваясь передачи внутреннего мира модели. Из-за недостатка средств на дорогостоящие масло и холсты, а также стремясь к быстроте исполнения, художница стала много работать в графических техниках – пастелью, цветными карандашами, акварелью, достигнув в них исключительной виртуозности.

В экспозицию вошли мастерски исполненные детские портреты, например "Портрет сына Сергея Прокофьева" (1927). Но особенно выразительны изображения ее собственных детей – Александра и Екатерины, самых частых и любимых моделей. В эмиграции Серебрякова стремилась вернуться к темам и сюжетам, увлекавшим ее в России, — монументальным и идиллическим образам крестьян, когда-то вдохновившим ее на полотнах А.Г.Венецианова. На выставке представлен триптих "Баня" (1926), созданный в продолжение знаменитого, исполненного на родине цикла "Бани".

Начиная с 1926 года Серебрякова смогла позволить себе выезжать с детьми из Парижа на этюды – в Бретань, на юг Франции, Корсику, в Италию, Англию, Швейцарию. На выставке экспонируются созданные в этих поездках живописные и графические пейзажи, портреты местных жителей, крестьян. В написанных маслом "Булочнице с улицы Лепик" (1927) и "Торговке овощами в Ницце" (1931) Серебряковой удалось точно передать характерность французских типажей.

Личный выбор: работы из частных коллекций современного искусства

14 февраля - 6 апреля
http://www.garageccc.com

Что движет коллекционером искусства? Выставка «Личный выбор: работы из частных коллекций современного искусства», организованная Центром «Гараж», предлагает ведущим коллекционерам России показать публике одну, наиболее значимую художественную работу из их собраний и рассказать, почему она так важна.

Поскольку любая частная коллекция индивидуальна и формируется под влиянием субъективного вкуса и личных пристрастий, критерии выбора определяет сам владелец произведения. Какая история стоит за каждым выбранным экспонатом? Чем руководствуется коллекционер при выборе работы? Насколько личный выбор отражает реалии сегодняшней жизни? Вот ключевые вопросы, на которые отвечает выставка «Личный выбор».

Собирательство и меценатство в России имеют давнюю традицию, особенно ярко проявившую себя в конце XIX века. Коллекции таких великих меценатов, как Щукин, Морозов, Третьяков, заложили основы крупнейших музеев страны.

Пройдя через разные исторические периоды, коллекционирование сегодня продолжает развиваться. Появились частные музеи, фонды, центры искусства, в основе которых лежат крупные собрания, включающие в себя произведения как российских, так и зарубежных художников. Во многом благодаря таким личным инициативам развитие современного искусства в России нашло поддержку, а сами коллекционеры стали участниками формирования общей художественной ситуации в стране.

Выставка «Личный выбор: работы из частных коллекций современного искусства» исследует коллекционирование в России и как субъективный феномен, в основе которого лежит индивидуальная связь между владельцем и произведением, и как социальный факт, в котором персональное высказывание становится частью общественной жизни, а личный выбор оказывается неотделим от чувства ответственности перед другими.

В рамках проекта посетители смогут увидеть более двадцати важных работ из частных собраний крупнейших коллекционеров страны – Дмитрия Аксенова, Михаила Алшибая, Леонида Блаватника, Виктора Бондаренко, Ольги Ващилиной, Андрея Городилова, Константина Григоришина, Леонида Добровского, Владислава Доронина, Александра Жукова, Дарьи Жуковой и Романа Абрамовича, Алексея Кузьмичева, Иветы и Тамаза Манашеровых, Игоря Маркина, Маргариты Пушкиной, Дмитрия Разумова, Екатерины и Владимира Семенихиных, Ольги Слуцкер, Владимира Смирнова, Леонида Фридлянда, Игоря Цуканова, Андрея Чеглакова,  Андрея Третьякова.

Félix Vallotton. Fire beneath the ice

14th February 2014 - 1st June 2014
www.vangoghmuseum.nl

During the 1890s the Franco-Swiss artist Félix Vallotton (1865-1925) belonged to the group of artists known as Les Nabis (the prophets). This circle of young, avant-garde artists embarked on a new path whose highly decorative style of art was influenced by Gauguin and Japanese prints. The Van Gogh Museum has an important collection of works on paper by Les Nabis, which includes a large number of woodcuts by Vallotton.

The exhibition Félix Vallotton. Fire beneath the ice displays a mixture of paintings and prints. Around 60 paintings from various international museums, such as the Musée d’Orsay in Paris, the Kunsthaus Zürich, The Baltimore Museum of Art, The Art Institute of Chicago and various private collections, combined with some 40 prints from the Van Gogh Museum’s collection provide an overview of every facet of Vallotton’s oeuvre.

Black-and-white woodcuts
Felix Vallotton (1865-1925), La flûte from the print series Instruments de musique, 1896, Van Gogh Museum, Amsterdam (Vincent van Gogh Foundation)Félix Vallotton attended the academy of art in Lausanne and moved to Paris in 1882 in order to continue his studies as a portrait painter. However, he has chiefly won international renown with his remarkable black-and-white woodcuts, which are unparalleled in style, technique and mood. An underlying tension or threat is always present in these works, although they also incorporate humorous elements that often harbour social criticism.

As a painter Vallotton developed a highly personal style, drawing his inspiration from Japanese print art, the work of the Neoclassical French master Ingres and photography. His style is characterised by a smooth finish, a cool atmosphere and a sophisticated use of colour.
Observing attitude
Vallotton deliberately detached himself from the world which he observed sharply in all its cruelty and absurdity. This observing attitude is a feature of both his paintings and his woodcuts. What turmoil do his smooth surfaces conceal, what emotions slumber beneath that cool detachment?

The exhibition has been organised by the Musée d’Orsay and the Réunion des musées nationaux - Grand Palais in Paris, in collaboration with the Van Gogh Museum, the Mitsubishi Ichigokan Museum in Tokyo and Nikkei Inc, and enjoys the special support of the Musées d’Art et d’Histoire in Geneva and the Musée cantonal des Beaux-Arts in Lausanne. The exhibition can be seen in the Grand Palais in Paris until 20 January 2014. After Amsterdam it will travel to the Mitsubishi Ichigokan Museum in Tokyo.

Richard Hamilton

13th February 2014 - 26th May 2014
www.tate.org.uk

One of the most influential British artists of the 20th century, Richard Hamilton(1922-2011) is widely regarded as a founding figure of pop art, who continued to experiment and innovate over a career of 60 years. Tate Modern presents the first retrospective to encompass the full scope of Hamilton’s work, from his early exhibition designs of the 1950s to his final paintings of 2011. This exhibition explores his relationship to design, painting, photography and television, as well as his engagement and collaborations with other artists.

Hamilton is best known for his pivotal role in the birth of pop art, including the groundbreaking installation Fun House 1956. A centrepiece of the exhibition, this immersive room combines images from movie-posters, magazines and art history, and will be shown alongside a print of the era-defining Just what is it that makes today’s homes so different, so appealing?. The depiction of Mick Jagger in the iconic series Swingeing London 67 1968-9, as well as images of other celebrities such as Bing Crosby and Marilyn Monroe, will show Hamilton’s continued interest in popular culture. Wider contemporary issues and political subjects are also addressed in his work, including the Kent State shootings and the IRA ‘dirty protests’, as well as figures like Margaret Thatcher and Tony Blair in such works as Treatment Room 1984 and Shock and Awe 2010. Hamilton’s interest in interiors, architecture and design is represented by his depictions of everything from the Guggenheim Museum in New York to a classic Braun toaster.

10 портретов Уорхолла

12 февраля - 9 апреля 2014
www.jewish-museum.ru

Проект «Десять» королю поп-арта заказали галерист Рональд Фельдман и арт-дилер Александр Харари в 1980 году. Задуман он был как серия портретов евреев, которые сыграли для XX века определяющую роль. От литературы сюда попали Франц Кафка и Гертруда Стайн, от науки — Альберт Эйнштейн и Зигмунд Фрейд, от искусства артисты Сара Бернар и братья Маркс, композитор Джордж Гершвин, от политики — Голда Мейер, от философии — Мартин Бубер, от юриспруденции — Луис Брандейс. По сути, это привычная уорхоловская шелкография, только контуры лиц героев немного подчеркнуты чернилами. К портретам добавят архивные материалы, фотографии, видео, интервью о жизни изображенных людей.

Серия, созданная в 1980 году, была принята неоднозначно. Уорхолл этого периода характеризуется критикой скорее как бизнесмен, нежели как художник. Работы, получившие название «Еврейский генезис», изначально были рассчитаны на коммерческий успех. Говорят, Уорхолл не интересовался еврейским вопросам, а в дневнике лаконично обозначал судьбу серии: «они продадутся». В основном, отзывы были враждебны, впрочем, некоторые из критиков указывали на дух времени американских 1970-ых, отлично схваченных художником в своих работах.

Gustave Doré (1832-1883). The Power of the Imagination

www.musee-orsay.fr
11th February 2014 - 11th May 2014

Gustave Doré is without doubt one of the most prodigious artists of the 19th century. At barely fifteen years of age he began a career as a caricaturist and then professional illustrator – which brought him international fame – before embracing all areas of creativity: drawing, painting, watercolour, engraving and sculpture.
Doré also applied his immense talent to different genres, from satire to history painting, delivering in turn, enormous canvases and more intimate paintings, flamboyant watercolours, virtuoso washes, incisive pen and ink drawings, engravings, fanciful illustrations, as well as Baroque, humorous, monumental and enigmatic sculptures.

As an illustrator, Doré set himself the challenge of the greatest texts (the Bible, Dante, Rabelais, Perrault, Cervantes, Milton, Shakespeare, Hugo, Balzac, Poe), which turned him into a real purveyor of European culture. He thus occupies a special place in contemporary collective imagination, from van Gogh to Terry Gilliam, not to mention his undoubted influence on comic books; there are many aspects that this first retrospective in thirty years will explore.

"La ragazza con l'orecchino di perla". Il mito della Golden Age. Da Vermeer a Rembrandt, capolavori dal Mauritshuis

Dal 08 Febbraio 2014 al 25 Maggio 2014
http://www.genusbononiae.it

La ragazza con l’orecchino di perla, con la Gioconda di Leonardo e L’urlo di Munch, è unanimemente riconosciuta come una delle tre opere d’arte più note, amate e riprodotte al mondo.

Sarà la star indiscussa di una raffinatissima mostra sulla Golden Age della pittura olandese, curata da Marco Goldin e tra gli altri da Emilie Gordenker, direttrice del Mauritshuis Museum de L’Aja dove il capolavoro di Vermeer è conservato. L’occasione storica di ammirare in Italia e gli altri celeberrimi dipinti olandesi nasce dalla collaborazione tra Fondazione Carisbo, e per essa il suo presidente professor Fabio Roversi-Monaco, e Marco Goldin, storico dell’arte e amministratore unico di Linea d’ombra.

La ragazza con l’orecchino di perla evoca bellezza e mistero e il suo volto da cinque secoli continua a stregare coloro che hanno l’emozione di poterlo ammirare dal vero o scoprirlo attraverso i romanzi e il film di cui la bellissima ragazza dal copricapo color del cielo è diventata, forse suo malgrado, protagonista.
Il suo arrivo in Italia è il frutto straordinario di una trattativa durata un paio di anni, a partire dal momento in cui il Mauritshuis – scrigno di opere somme da Vermeer fino a Rembrandt – è stato chiuso per importanti lavori di restauro e ampliamento, che ne vedranno la riapertura al principio dell’estate 2014.

Nel frattempo, una parte delle collezioni del Museo è stato riallestita presso il Gemeentemuseum, sempre a L’Aja, mentre un nucleo, forse il più strepitoso, è stato concesso ad alcune sedi internazionali in Giappone (a Tokyo e Kobe) e negli Stati Uniti: il Fine Arts Museum di San Francisco, l’High Museum of Art di Atlanta e la Frick Collection di New York, ovvero a istituzioni di assoluto prestigio mondiale. Come unica sede europea, e ultima prima del definitivo ritorno de La ragazza con l’orecchino di perla al suo Museo rinnovato, la scelta è caduta su Bologna e su Palazzo Fava.

From Matisse to the Blue Rider - Expressionism in Germany and France

7th February 2014 - 11th May 2014
www.kunsthaus.ch

Today, ’Expressionism’ is generally viewed as a German movement – yet in fact it emerged at the start of the 20th century from the enthusiastic engagement of German artists with Classical Modernism in France. ’Van Gogh struck modern art like a bolt of lightning,’ was how one German observer described the painter’s impact on German artists – at a time when they were already coming to terms with Seurat, Signac and the Neo-Impressionists. Then followed Gauguin, Cézanne and Matisse. The response by the artists of ’Die Brücke’ and ’Der Blaue Reiter’ to French Neo-Impressionism and the ’Fauves’ was a veritable riot of colour.

The exhibition – a cooperation with the Los Angeles County Museum of Art and the Musée des Beaux-Arts in Montréal – reveals Expressionism in its true light, highlighting that it was not a national movement but rather one shaped by the spirit of cosmopolitanism and productive exchange. Together with over 100 masterpieces of Classical Modernism and German Expressionism, it presents the findings of recent research into a history of reception that has hitherto been little studied by scholars.

Soviet Art. Soviet Sport

Выставка «Soviet Art. Soviet Sport»
5 февраля - 25 мая 2014 г.
http://rusrealart.ru/

Экспозиция включает более 60 произведений из собрания Института русского реалистического искусства, РОСИЗО, Русского музея, региональных государственных музеев России и частных коллекций. Среди авторов, чьи произведения будут представлены на выставке – Александр Дейнека, Александр Самохвалов, Юрий Пименов, Георгий Нисский, Сергей Лучишкин, Николай Загреков, Самуил Адливанкин, Кирилл Кустодиев, Леонид Сойфертис.

Представленные работы являются характерными примерами многообразного творческого наследия советских художников. Выставка и каталог позволяют на реальных примерах проследить этапы развития этой темы, исключительно важной для всего советского реалистического искусства. Советский спорт – один из ключевых брэндов эпохи. И подобно другим символам – индустриализация, космос, балет – он часто оказывался в плену у идеологии. С точки зрения вечности, эта переполненность «борьбой», возможно, навредила художникам, которые сражались на передовой. Но именно этот пафос создал невероятный по силе воздействия эстетический канон. Советский спорт в искусстве – история едва ли не насильственного противопоставления «идеи» и «формы». Хотя именно поэтому спортивная тема давала художникам массу возможностей для самовыражения: от искренней службы и апологии «единственно верного» искусства до попыток противостояния «большому стилю». Лучше всех объяснил привлекательность спорта для художников один из ярчайших мастеров цеха Александр Дейнека: «Спорт имеет одну великолепную особенность: он укладывается в разнообразнейшие рамки искусства.
Как тема он неисчерпаем, ибо он демократичен и популярен.
Спорт вмещает в себя оттенки ощущения. Он лиричен, он мажорен. В нём много оптимизма.
В нем начало героического».

Giacometti. La scultura

04 Febbraio 2014 - 15 Giugno 2014
http://www.galleriaborghese.it

La mostra, organizzata dalla Galleria Borghese, è curata da Anna Coliva, direttrice della Galleria, e da Chistian Klemm, illustre studioso dell’opera di Giacometti e realizzatore delle mostre più importanti sull’artista.  La Villa Pinciana, nobile scenario di sommi capolavori d’arte antica e moderna è, per definizione, soprattutto il luogo della scultura, grazie alla presenza nella collezione di sommi esempi dell’epoca graca e romana, del Rinascimento, del Barocco e del Neoclassicismo.

In questo iter storico della scultura attraverso i secoli, in cui è fortemente presente la statuaria rappresentativa della figura umana, manca tuttavia un unico esempio: il modo in cui essa è stata concepita e interpretata nel XX secolo.  A questa idea si vuole dedicare la mostra, individuando l’anello mancante del percorso proprio nell’opera di Alberto Giacometti: la sua estetica, rappresentativa della scultura del Novecento, è il continuum attraverso cui si concretizza la rappresentazione della statua come rappresentazione della figura umana.
Tale suggestivo contesto ospiterà dunque la mostra di Alberto Giacometti, scultore e artista svizzero, visionario, onirico e surrealista, che lasciò un segno indelebile nell’arte del XX secolo.

L’esposizione racconterà attraverso 40 opere l’artista e la sua opera in dialogo con i capolavori presenti in Galleria, per fornire un panorama esaustivo dei modi in cui è stato interpretato il concetto di “statua” nelle varie epoche storiche. Tra le opere esposte Femme qui marche II (1936, Collezione Peggy Guggenheim, Venezia), Buste de Diego (1954, Centre Pompidou, Parigi) e Femme de Venise V (1956, Collezione Privata), e un interessante nucleo di disegni dell’artista. 

Cezanne

www.museothyssen.org
4th February 2014 - 18th May 2014

The first exhibition of 2014 will be devoted to a key figure in painting of the second half of the 19thcentury: Paul Cézanne (1839-1906), considered to be the father of modern art. Curated by the Museum’s Artistic Director, Guillermo Solana, this is the first monographic exhibition on the artist to be organised in Spain in the last thirty years. It will explore the relationship between two genres to which Cézanne devoted an equally intense focus: landscapes and still life. Like the Impressionists, Cézanne painted his landscapes outdoors but there is no sign of the seasons of the year or times of day in them and the motifs from the natural world are arranged in the manner of a stage set. In contrast, in his still lifes, the artist included the changes and dynamics characteristic of nature, with objects that normally convey stability leaning against each other in a precarious equilibrium.

Odilon Redon

2 февраля 2014 - 18 мая 2014
www.fondationbeyeler.ch

Odilon Redon (1840-1916) is one of the most amazing artists of emerging Modernism. Marking the threshold between the 19th and the 20th centuries, the art of this leading protagonist of French Symbolism shows the interaction between tradition and innovation. The exhibition at the Fondation Beyeler, which brings together a large number of masterpieces, concentrates on Redon’s significance as a forerunner of Classic Modernism and therefore on his art’s avant-garde dimension. Characterised by caesura and contrasts, his ambivalent, enigmatic work evolves from the palette of blacks of his early charcoal drawings and lithographs to the explosive colourfulness of his later pastels and oil paintings. His works alternate between eeriness and serenity, featuring bizarre monsters as well as heavenly creatures and intermingling dream and nightmare, nature and imagination.